CONTRA O GOLPE CIVIL EM CURSO E A FAVOR DA DEMOCRACIA

segunda-feira, 30 de junho de 2014

Pat Metheny & Toninho Horta!! - At Pat Metheny's apartment in Rio de Jan...


Hollie Cook - Milk & Honey

Deutschlandlied legendado.flv


nos primeiros minutos de Alemanha x Argélia pelas oitavas de final...
Thomas Hardy who finally unveils the body in the English novel, most particularly in Tess of the d'Urbervilles, facing at last, in relative nakedness, the presence and power of Eros, and making the next step - to D.H.Lawrence - merely inevitable. In France not only is the weight of self-censorship so much lighter (...), there is also the unavowed but nonetheless living inheritance from the eighteenth century novel, especially its masterpiece, Laclos's Les Liaisons Dangereuses, which has never been surpassed as an account of the political erotic body and its place in the network of writing and reading.

Peter Brooks, Reading for the Plot, p. 144.

Filme do Dia: Napola (2004), Dennis Gansel






Napola (Napola – Elite für den Führer, Alemanha, 2004). Direção: Dennis Gansel. Rot. Original: Dennis Gansel & Maggie Peren. Fotografia: Torsten Breur. Música: Angelo Badalamenti & Normand Corbeil. Montagem: Jochen Retter. Dir. de arte: Matthias Müsse & Martin Maly. Figurinos: Natascha Curtius-Noss. Com: Max Riemelt, Tom Schilling, Jonas Jägermeyr, Leon A. Kersten, Thomas Drechsel, Martin Goeres, Florian Stetter, Devid Striesow.

Friedrich Weimer (Riemelt) é um talentoso praticante de boxe que vê sua sorte mudar na Alemanha nazista, quando recebe a indicação de um oficial, Vogler (Striesow), para fazer parte da Napola, a elite do comando nazista, para a ira de seu pai judeu. Frierich rapidamente se estabelece como uma referência entre seus pares dado o seu talento no boxe, mas não é poupado como ninguém do treinamento extremamente extenuante. Friedrich se torna amigo do sensível e protegido filho de um oficial alemão que é líder regional da SS, Albrecht Stein (Schilling). A amizade dos dois faz com que Friedrich começe a refletir sobre os rumos que sua conduta se está dirigindo, algo que somente piora quando são convidados para a mansão da família Stein. Lá ambos são incitados a lutar boxe e Friedrich põe Albrecht quase em nocaute. Posteriormente, ambos fazem parte de um pelotão que chacina um grupo de crianças e adolescentes, sem saber que não eram adultos. Albrecht se sente completamente enojado pela situação e compõe uma redação que expressa publicamente seu repúdio, tornando-se um constrangimento para seu pai. Pouco depois, decide se deixar morrer em meio a uma prova em águas glaciais, provocando o desespero de Friedrich. Numa luta de boxe que segue a morte de Albrecht ele  perde propositalmente e é expulso do castelo apenas com a mesma roupa que entrara.

Como em seu filme de maior repercussão internacional, A Onda (2008), Gansel se detém sobre os mecanismos que compõe a estrutura do autoritarismo, apresentados aqui de forma mais convencionalmente dramática e menos esquemática que em seu filme posterior, com melhor resultado. A amizade entre os dois amigos fica muito próxima da explicitação de uma paixão sexual, mas apenas sugerida do início ao final. Fortalecido pelo desempenho de ambos os atores, assim como um bom elenco de apoio, que de uma maneira geral se sai bem melhor que em seu filme posterior, o filme investe na sociabilidade da juventude hitlerista como poucas produções o fizeram. A enorme pressão exigida por uma sociedade agressivamente homonormativa masculina faz com que um pai sustenha as lágrimas ao saber da morte do filho, tentando driblar a emoção ao afirma que era um fraco ou que um dos garotos, constantemente humilhado diante dos seus pares por sua incontinência urinária, se sacrifique  para salvar todo o esquadrão, ironicamente tornando-se um herói após morto. Pode-se sentir, como em A Onda, a tensão entre sentimentos individuais e a pressão coletiva. E é do ator-fetiche de Gansel, o excelente Riemelt, que se faz uso para melhor expressar tal tensão. Certamente se está longe das alegorias do Novo Cinema Alemão a respeito do nazismo, que o pontuaram do ínicio (O Jovem Törless) ao final (O Tambor) e mais próximo da evocação pseudo-biográfica de Adeus, Meninos, mesmo que sem a mesma sutileza do último. Gansel sempre apela para saídas mais convencionalmente excessivas em sua dramaticidade, como a do afundamento de Albrecht no lago gelado observado pelo amigo. Apresenta o evento sem fazer qualquer julgamento moral sobre seu jovem protagonista, observado com generosidade e mesmo uma certa ‘redenção’ após se negar a continuar pactuando com as exigências sociais impostas. Menos redundante e óbvio que na sua produção de quatro anos após, teve seu protagonista inspirado na figura do avô do cineasta. Olga Film GmbH/Constantin Film/Seven Pictures para Constantin Film.  117 minutos.



domingo, 29 de junho de 2014

Pat Metheny Group (with Pedro Aznar) - Dream of the Return

Viralux - Fassbinder - Daily Moods of the Final Certainty

Himno Nacional Mexicano (con letra)

Brazil beat Chile on penalties to reach World Cup quarter-finals


It was an epic contest and, when it was all done, the final explosion of joy and bedlam told us Brazil had made it to the quarter-finals and the World Cup would not have to go on without its hosts. Chile had given everything but, ultimately, it all came back to that moment, at 2-2 in the penalty shootout, with one player left on each team. Neymar, superstar, kissed the ball, shuffled his feet and put his shot in the corner. Gonzalo Jara hit the post and Brazil, finally, could breathe.
They had made it difficult for themselves after taking the lead courtesy of Jara’s own goal, which was credited to David Luiz, in the first half and the referee, Howard Webb, might have needed a wig to leave the country if Chile had been more accurate from 12 yards. Webb, from a poor vantage point, denied Brazil an early penalty when Hulk went down under Mauricio Isla’s challenge and, more controversially, disallowed a second-half goal from the same player. It was not a controversy that would have stayed with him like the 2010 final. There would, nonetheless, have been significant fallout if Brazil had gone on to lose.
Instead, Júlio César saved Chile’s first two penalties, from the substitute Mauricio Pinilla and Alexis Sánchez, scorer of their goal. David Luiz went first for Brazil but Willian put the next one wide and the Chile goalkeeper, Claudio Bravo, kept out Hulk after Marcelo had scored with their third attempt. Fortunately for Brazil, Neymar has played throughout this entire tournament as if immune to the considerable pressures on his slender shoulders. “He is 22,” Luiz Felipe Scolari, said. “But he plays with the experience you would expect of someone of 35.”
What a moment this was as well for Júlio César bearing in mind it was his mistake that led to Brazil’s elimination in 2010. The goalkeeper had been in tears before the first penalty had been kicked. “I couldn’t hold it in,” he said. “So many of my team-mates came to me to say beautiful things. I just hope next time we don’t need a penalty shootout, for the sake of our families, and not wanting anyone to suffer a heart attack.”
Chile left with dignity and will always reflect on that moment, in the final minute of extra time, when Sánchez played in Pinilla and his shot cannoned back off the crossbar. A touch more composure at that point and Brazil would have been plunged into a grieving process rather than looking forward to a last-eight tie in Fortaleza on Friday.
Scolari’s team are not flawless and Chile showed what can happen by pressing high up the pitch, quick to the ball and strong in the tackle. “I told them to fight and to defy history,” their coach, Jorge Sampaoli, said.
Yet nobody should underestimate Brazil’s competitive courage either. It begins with the Hino Nacional Brasileiro and the way that the people here don’t appear to think the national anthem should be sung when the alternative is to bellow the words, heads back, faster and faster, louder and louder. David Luiz, eyes boggling, veins popping, looked like he might actually start head-banging at one point and, brilliantly, the mascots were not holding back either. Chile’s national anthem had been stirring. Brazil’s made you wonder if this was a Rage Against the Machine cover version.

The volume barely dropped from that point and it quickly became apparent that a crowd of great vibrancy and colour – one-tenth rhubarb, nine-tenths custard – would have an occasion to match the noise. This was not a game when the Mexican wave was needed. There was too much on the pitch to hold everyone’s attention. Neymar – elusive, quick of feet and mind – seemed to be involved in everything, despite taking a hefty blow from Gary Medel’s early challenge. Scolari thought it was a deliberate attempt to nobble his best player. Medel, presumably, would call it a personal introduction.
Brazil were the first team to settle and took the lead after 18 minutes. Thiago Silva was the first player to read the trajectory of Neymar’s corner, heading it on to the back post where Jara had made the crucial error of taking a step out. David Luiz was behind him and Jara, in his haste to correct his mistake, jutted out his right leg to try to block the danger, succeeding only in turning the ball into the net.
Brazil, however, will always be liable to moments of carelessness and Sánchez’s equaliser also gave the game a clear sense that the host nation might be vulnerable. Marcelo, taking a routine throw-in from the left-back position, simply wanted the ball played back to him. Hulk’s touch was short and Eduardo Vargas nipped in to turn the ball across the penalty area. Sánchez took a touch to steady himself and the Barcelona player is too talented to pass up that kind of gift.
After that, it was great entertainment in the relentless sunshine and din. Júlio César’s heroics started in the second half when he kept out Charles Aránguiz with a reflex save and, at the other end, Bravo made a series of stops to keep out Neymar and Hulk.
Hulk could easily have become the villain for Brazil, with a missed penalty and his role in what Scolari described as an “unacceptable” Chile goal. Alternatively, he could have been the hero. Ten minutes into the second half, Marcelo lifted a long, diagonal pass over the Chile defence and Hulk controlled the ball at the corner of his chest and shoulder, then bundled it into the goal. His arms were raised as he cushioned down the ball and perhaps that swayed Webb’s mind in blowing his whistle for handball, but he certainly should not have booked Hulk. The outrage was loud and genuine but, by the end, it was largely forgotten and Scolari restricted himself to a few words on the subject. “Things are starting to get weird here,” the manager said.

Fifa investigating claims Brazil official punched Chile player in row

Fifa is investigating a remarkable bust-up at the World Cup after claims Chile striker Mauricio Pinilla was punched by Brazil’s communications director Rodrigo Paiva at half-time during Saturday’s match.
Paiva, a well-known figure in Brazilian football, has admitted to shoving Pinilla but said that he only did so in self-defence.
A Fifa spokeswoman told a news conference in Rio de Janeiro: “We can confirm there has been an incident and the disciplinary committee is currently analysing the matter.”
The disciplinary panel is believed to have access to video footage and pictures of the incident in Belo Horizonte.
A scuffle broke out as the teams headed to the dressing rooms in the Mineirao Stadium, sparked by Brazil striker Fred slapping Chile defender Gary Medel on the back of the head as they walked off the pitch.
Brazil media said Paiva and the Chile assistant manager Sebastián Beccacece were involved in a confrontation which ended in the Brazil official punching Pinilla.
Paiva told Brazilian reporters there was widespread pushing between the two squads, and said: “It was not just me. Pinilla came towards me and I just defended myself. I reacted by pushing him.”
Pinilla, who plays for Italian side Cagliari, came off the bench and nearly won the match for Chile but his shot in the last seconds of the match struck the cross-bar.
The striker was then one of three Chile players to miss penalties in the shoot-out which Brazil won 3-2 to go through to the quarter-finals.

Filme do Dia: Jake Grandão (1971), George Sherman



Jake Grandão (Big Jake, EUA, 1971). Direção: George Sherman. Rot. Original: Harry Julian Fink & Rita M. Fink. Fotografia: William H. Clothier. Música: Elmer Bernestein. Montagem: Harry W. Gerstad. Dir. de arte: Carl Anderson. Cenografia: Ray Moyer. Figurinos: Luster Bayless. Com: John Wayne, Richard Boone, Patrick Wayne, Christopher Mitchum, Bruce Cabot, Bobby Vinton, Glenn Corbett, Maureen O’Hara, Ethan Wayne.

1909. Jacob “Jake” McCandles (John Wayne) é contratado por sua ex-mulher, Martha (O’Hara), para libertar o seu jovem neto (Ethan Wayne) das garras dos facínoras liderados por John Fain (Boone), que massacraram a rica vila de sua esposa, matando vários de seus criados e ferindo gravemente um de seus filhos e exigem um milhão de dólares. Jake reencontra, após anos, seus filhos James (Patrick Wayne) e Michael (Mitchum), que partem numa caravana de automóveis e de uma moto. Jake, seguindo seu velho estilo, parte com seu cavalo e o cachorro de estimação, encontrando mais à frente o seu fiel aliado indígena Sam (Cabot). Em pouco tempo a eufórica caravana motorizada é desbaratada pela quadrilha de Fain e Jake toma a liderança, levando consigo os filhos. Eles irão encontrar a perigosa quadrilha na cidade mexicana de Escondero. Os filhos de Jake descobrem que ele não leva um milhão, mas antes jornais velhos, no baú. O desafio será recapturar a criança viva mesmo não tendo dinheiro em troca.

Este que é o último filme de Sherman para o cinema, veterano realizador que havia dirigido o próprio Wayne nos anos 1930, inicia com interessantes créditos, apresentando uma cronologia de eventos que ocorria pela época em que a história se desenvolve, não deixando de fora o próprio cinema – O Grande Roubo do Trem (1903) é não apenas lembrado, como tem uma de suas cenas apresentadas em meio a galeria de fotos fixas. É o quinto e último dos filmes em que O’Hara e Wayne vivenciam um casal ou ex-casal e talvez se torne mais interessante quando comparado com os filmes que a dupla vivenciara antes, sobretudo os do mesmo gênero, do que propriamente isolado. De fato, é notória o quanto a crescente violência gráfica, influenciada sobretudo pelo enorme sucesso de Meu Ódio Será Tua Herança (1969), de Peckimpah, assim como pelo próprio momento histórico vivenciado pelo país, torna-se um elemento a ser ressaltado. Se o massacre inicial da família de Rastros de Ódio (1956), talvez se torne ainda mais pungente por ser deixado de fora da narrativa, aqui o gratuito massacre inicial já dita o tom. Como é comum nos filmes produzidos pelo próprio Wayne, incorpora-se ao filme uma série de valores que lhe são comuns. O olhar desdenhoso para com a modernidade se faz valer na imposição do pai que consegue domar a rebeldia dos filhos, assim como na esperada superioridade de suas estratégias, consideradas superadas, diante das novas maravilhas mecânicas ou mesmo no olhar de repulsa que Jake lança para o chapéu de fita que trajava o filho no momento de sua captura. Civilização torna-se sinônimo de feminilização. Ou de alteração das reações típicas a serem esperadas por cada gênero – Martha, não por acaso o nome da matriarca de Rastros de Ódio, não pisca um olho ou solta uma lágrima diante do massacre e até esboça uma reação.  E a gratuidade da violência do bando sanguinário tampouco pode ser compreendida segundo os códigos convencionais sacrossantos de luta pela terra que haviam orientado os clássicos de Ford. Aqui somente importa o dinheiro. A influência capilar do cinema moderno observada em sua apresentação se encontra longe de fazer o filme sequer se aproximar da onda “revisionista” do gênero empreendida contemporaneamente por cineastas como Arthur Penn. John Wayne, mesmo sem ser creditado, co-dirigiu o filme. Cinema Center Films/Batjac Prod. para National General Pictures. 110 minutos.

sábado, 28 de junho de 2014

Chet Baker - My Funny Valentine

Lô Borges - Equatorial

Hino Nacional de Chile Cantado

Filme do Dia: Kes (1969), Ken Loach



Kes (Reino Unido, 1969). Direção: Ken Loach. Rot. Adaptado: Ken Loach & Tony Garnett, baseado no romance A Kestrel for a Knave, de Barry Hines. Fotografia: Chris Menges. Música: John Cameron. Montagem: Roy Watts. Dir. de arte: William McCrow. Figurinos: Daphne Dare. Com: David Bradley, Freddie Fletcher, Lynne Perrie, Colin Welland, Brian Glover, Bob Bowes, Robert Naylor.
O adolescente Billy Casper (Bradley) é vítima de chacota de todos seus colegas na escola, além de trabalhar como entregador de jornais e suportar os maus tratos do irmão mais velho Jud (Fletcher). Estudando em escola pública e proveniente de uma família de baixa renda, Billy se refugia em seu próprio mundo, onde treina o falcão que chama Kes. É atormentado pelo professor de futebol, Sugden (Glover) que o obriga a tomar banho gelado e briga com Macdowell (Naylor), colega de turma mais velho, que xingara sua mãe (Perrie), conhecida pelos namoros nos bares da cidade. Habitualmente disperso e pouco preocupado com o futuro – mal vê a hora de abandonar a entrevista com o inspetor que redige sua ficha para encaminhá-lo ao mercado de trabalho – Casper vive um fugaz momento de glória na sala de aula do professor de inglês, Farthing (Welland), quando descreve como treinara o falcão. Porém, ao não apostar o dinheiro do irmão Jud no azarão da corrida de cavalos, encontrará Kes morto ao chegar em casa, provocando mais um tumulto familiar.
Indispensáveis para a eficácia do filme, pungente, ainda que longe de sentimental, é o tom quase antropológico que descreve os costumes da classe média baixa inglesa e a vigorosa e sutil interpretação do jovem Bradley, de carreira bissexta no cinema. A empatia pelo protagonista e o tema recorrente em toda a obra de Loach, das aspirações de membros das classes populares que são destruídas pelo ambiente social contrário, já se encontra presente em seu primeiro filme para o cinema, ainda que aqui seu estilo habitualmente seco de realismo abra espaço para imagens de um lirismo muitas vezes ausente de sua produção posterior. Igualmente interessante é o paralelo entre o comportamento da própria ave, anti-social, independente e altiva e o protagonista que, mesmo tendo dificuldade de inserção social e vivendo em uma família conturbada, não deixa de defender enfaticamente sua dignidade e o seu interesse pelo treinamento da ave como forma de afirmar-se, mesmo que precariamente, frente a todos aqueles que não acreditavam em sua potencialidade. Herdeiro do realismo social de filmes como A Solidão de uma Corrida sem Fim (1962), de Tony Richardson, por sua vez seria grandemente influenciador de toda uma geração de cineastas britânicos posteriores. Kestrel Films/Woodfall Film Productions. 109 minutos.

sexta-feira, 27 de junho de 2014

Tommy Dorsey With Frank Sinatra 1942

Beto Guedes - Sol de Primavera


A Tocadora de Alaúde, provavelmente c. 1612-1620


Orazio Genitileschi foi um dos primeiros e mais talentosos pintores a se inspirar em cenas do gênero de Caravaggio em Roma. Aqui, ele devia ter em mente a famosa pintura de Caravaggio sobre o mesmo tema. A jovem esposa de Orazio escuta atentamente atentamente como ressoa uma nota em seu instrumento em formato de pera. Ela pode estar afinando seu alaúde, antecipando-se ao concerto prometido por um grupo de arquivistas, um cornetto e um violino, e as partituras abertas diante dela.

A graciosa musicista e seu alaúde são vistos, surpreendentemente, de costas, voltada a três quartos de distância do espectador. A atenção meticulosa de Orazio ao detalhe é tal que cada superfície é descrita com uma precisão no foco que é um prazer aos olhos. Os pintores holandeses, famosos por suas espetaculares representações de texturas, aprimoraram seu ofício estudando as obras de Orazio. Seu talento  para transmitir as texturas dos finos tecidos é aqui demonstrado no penetrante dourado do vestido, no brilho opaco do veludo vermelho do banquinho e na suavidade fosca da toalha verde escura que cobre a mesa.

Texto: National Gallery of Art. Nova York: Thames & Hudson, 2005, pp.108.

Amy Winehouse - Back To Black

Filme do Dia: The Life and Death of 9413, a Hollywood Extra (1928), Robert Florey & Slavko Vorkapich





The Life and Death of 9413, a Hollywood Extra (EUA, 1928). Direção: Robert Florey and Slavko Vorkapich. Fotografia: Gregg Toland, Paul Ivano & Slavko Vorkapich. Com: Jules Racourt, George Voya, Robert Florey, Adriane Marsh.

Esse curta experimental sobre as experiências frustrantes de um extra hollywoodiano de tentar ser uma estrela de cinema  e realizado com parcos recursos, apresenta uma proposta mais radical do que aquelas que utilizaram de grande criatividade para reproduzir o universo onírico, mas dentro de uma moldura narrativa mais convencional, como é o caso de When the Clouds Roll By (1919), de Victor Fleming. Aqui, trata-se de uma mera sugestão de situação que serve como pretexto para a criatividade visual da dupla, que abusa de efeitos de iluminação e uma cenografia evidentemente desenhada, já prenunciando a virtuosidade ilusionista do cinegrafista Tolland (de Cidadão Kane), ao mesmo tempo mesclados a imagens filmadas em locação. O resultado final, talvez menos semelhante a contemporâneos mais célebres da vanguarda européia como  Um Cão Andaluz do que a seqüência do filme de Fleming, trai seu caráter anárquico e lúdico para o bem e para o mal, tendo sido injustamente pouco lembrado no cânone  da vanguarda norte-americana. Fazem parte de sua montagem feérica uma bela seqüência em que a repetição de planos, hábito comum nos filmes vanguardistas de então, e que será recuperado sobre outro contexto no cinema moderno dos anos 1960, apresenta um homem subindo ininterruptamente uma escadaria. A desproporção entre os sonhos do extra e a realidade concreta ganha uma dimensão concreta igualmente compatível, quando se equipara essa produção com a  dos grandes estúdios da época. O filme, ao mesmo tempo, evidentemente satiriza esse mesmo sistema de produção que transforma ingênuos aspirantes ao sucesso em meros autômatos. Florey realizaria uma longa carreira nessa mesma indústria que ironizava, trabalhando em várias séries para a televisão, entre elas a cultuada Além da Imaginação. National Film Registry em 1997. 11 minutos.